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Régénération : à propos de Tintin, de Steven Spielberg

Presque deux années après l'instant zéro Avatar, Les Aventures de Tintin : Le secret de la Licorne de Steven Spielberg sort dans les salles françaises, avec deux mois d'avance sur les Etats-Unis. Et c'est un film choc, un séisme visuel insensé, la vision réjouissante d'un réalisateur régénéré par les nouveaux outils mis à sa disposition. Chronique de l'An 1 d'une nouvelle ère cinématographique.

C'est un spectacle extraordinaire. Non, nous ne parlons pas de Les Aventures de Tintin : le Secret de la Licorne, de Steven Spielberg. Mais des réactions qu'il suscite. En l'espace de deux semaines, la quasi-totalité de la critique française "officielle" s'est soudainement transformée, par un tour de passe passe surréaliste, en nouvelle gardienne du temple des geeks. On hurle au blasphème et au sacrilège, à l'irrespect de l'oeuvre originale. Ainsi, la "ligne claire" des albums originaux ne serait pas respectée. Tintin et le Mystère de la Toison d'Or (1961), ou Tintin et les Oranges Bleues (1964), c'était mieux. Tonnerre de Brest, les scénaristes y-zont mélangé des éléments de trois albums. A l'écran y'a des trucs pas réels. Ca ressemble à un jeu vidéo. Spielberg, le méchant yankee, y fait rien qu'à piller notre patrimoine pour grapiller quelques sous. Spielberg, serait Rackham le Rouge, et Tintin, (le film), un détournement terroriste de la culture franco-belge, l'équivalent du 11 septembre pour 72 ans d'existence d'un trésor de la bande dessinée !

Passée l'amusante vision de ce déchainement et de ce retournement, (ils savent donc désormais ce que doivent ressentir les fans de comics à la vision de Iron Man 2, Green Lantern ou Thor), il faut réaliser que s'entêter à approcher Tintin sous l'angle de l'adaptation fidèle et respectueuse à l'oeuvre de Hergé est une erreur. Le film n'est pas une adaptation, mais une réappropriation. Hergé l'avait prédit lui même, lui qui refusait que d'autres poursuivent son oeuvre sur papier, mais championnait de son vivant Spielberg comme l'héritier idéal pour poursuivre ses aventures sur grand écran. Avec le casting de Spielberg aux commandes du projet, s'envolent immédiatement en fumée toutes les casseroles idéologiques nauséabondes et embarrassantes que traine le personnage depuis sa création dans les pages de l'hebdomadaire catholique et conservateur du Petit Vingtieme, sans oublier les accusations de collaboration avec l'occupant nazi*. Il s'agit après tout du réalisateur de la Liste de Schindler !

La passation de pouvoir entre le créateur de la bande-dessinée, et celui de la version cinéma, Spielberg la met carrément en scène en ouverture du film. Impossible, pour quiconque ayant lu et apprécié Tintin dans sa jeunesse, de ne pas avoir l'oeil humide devant ses premières images, qui posent aussi les bases de l'univers de Tintin transposées à l'écran. Le feeling, les décors, la direction artistique, le découpage, tout est là. Clairement comme le disait Hergé "Tintin est entre de bonnes mains". Alors certes, ce n'est plus le Tintin, exactement, de la bande-dessinée. Mais, information à usage de ceux qui ne s'en seraient pas aperçu, dans une salle obscure, nous ne sommes pas en train de lire une bande-dessinée, mais en train de regarder un film. 

Et quel film ! C'est l'Avatar de Steven Spielberg. Sa réussite visuelle est indissociable du séisme provoqué par le film de James Cameron, instant zéro de la transformation du 7e Art au 21e siècle. Les Aventures de Tintin : le Secret de la Licorne doit être vu comme une nouvelle étape, la première, donc, vers le cinéma du futur. Après la déflagration, l'onde de choc ! Outre l'utilisation de la 3D et de la technologie de performance capture, héritée directement de James Cameron, c'est sur le plateau d'Avatar, après plus de 25 ans de développement et de reports, que le projet du film s'est enfin concrétisé, au cours d'une scène que Cameron s'amuse à décrire dans de nombreuses interviews depuis deux ans. Le réalisateur de Titanic avait confié l'espace d'une demi-heure ses "jouets" à Spielberg et Jackson. On aurait aimé être une caméra sur le plateau d'Avatar à ce moment là, pour capturer la scène : c'est précisement quand il empoigne les joysticks de James Cameron, que Spielberg a une révélation qui va révolutionner son travail de cinéaste. Ainsi, le réalisateur grisonnant et respecté, qui alignait parfois jusqu'a trois films en une année, avec plus (Munich) ou moins (Indiana Jones et le machin bidule truc etc. de crystal) de bonheur, semble être redevenu le jeune homme de Duel (1971), son premier film, régénéré par les possibilités offertes par la nouvelle technologie, comme s'il venait de redécouvrir son métier.

A l'instar de Cameron, Spielberg (le premier réalisateur geek, bien avant Tarantino), s'auto-cite, et révisite ses classiques préférés de l'histoire du cinéma américain, rafraichi par ces nouveaux pinceaux, rajeuni et ragaillardi par la technologie. Les Aventuriers de l'Arche Perdue (1981), Indiana Jones et le temple maudit (1984), et Indiana Jones et La Dernière Croisade (1989), bien entendu, mais aussi La Mort aux Trousses (1959) d'Alfred Hitchcock, dont l'omniprésence, dès le générique, plane sur le film, Lawrence d'Arabie (1962) de David Lean, où invraisemblablement Commando (1985) de Mark L. Lester, et Dangereusement Vôtre (1985) de John Glen, le temps d'un gag (le bazooka tenu à l'envers), ou d'un plan (les méchants vus depuis le fond marin à travers une bulle). Des emprunts du genre, on pourrait en citer des dizaines dans le film. La liste est sans fin. Mieux, la rumeur sur Avatar, parlait d'un incroyable plan-séquence de 6 minutes, qui semble avoir disparu au montage et est absent des bonus du film en Blu-ray et DVD. Spielberg bien évidemment, reprend l'idée à son compte, et c'est l'un des moments les plus incroyables deTintin !

Truffé d'idées brutes de mise en scène dans chaque plan, présentant une 3D immersive et indispensable, (vous iriez voir Le Magicien d'Oz en noir et blanc, vous ?), ne cherchant pas à édulcorer le contenu original (l'alcoolisme de Haddock), Tintin offre un spectacle tel qu'on ne l'attendait quasiment plus de Spielberg. Ce n'est pas un film grand public, mais un grand film de cinéphile et de geek, barjot et branque. Un film d'allumé ! Certes, son rythme effréné necessite un second visionnage. Le scénario est nébuleux, ayant recours à de longs monologues et dialogues pour expliciter les points clés de l'histoire (comme la BD parfois), qui peuvent dérouter le jeune public, là ou Cameron avec Avatar avait choisi une simplicité dépouillée permettant de s'immerger dans l'univers 3D sans se poser de questions. Spielberg met tous les faders à fond, perdant le contrôle insupportable qui caractérise son cinéma depuis trop longtemps, (vous savez, ces plans calculés avec distance et déletaction au milimètre près pour vous mettre la larme à l'oeil, qu'il filmait sans doute en souriant derrière la caméra en se disant "je suis bon!"). Le cinéaste se lâche, enfin ! Il redevient humain.

Sans doute inquiet du séisme que va provoquer cette explosion atomique, Spielberg se paie même son Avatar Day, sa "frigo protection" à lui, longue de deux mois, avec une sortie internationale bien avant les Etats-Unis, histoire de préparer le terrain. On ne sait plus, à ce stade, ce qui est le plus réjouissant dans Tintin, le spectacle du personnage qui enfin réussi à s'échapper des cases étroites de la bande-dessinée, et à prendre vie sur grand écran IMAX 3D, ou bien celui de Spielberg qui a pété un câble et redécouvert son art. Sans doute un peu des deux.

David Fakrikian

*Hergé devait sans doute aussi avoir pressenti, à la vision du premier volet des aventures d'Indiana Jones, Les Aventuriers de l'Arche Perdue en 1981, que le "partner in crime" de Spielberg, George Lucas, devait avoir quelque part dans ses appartements privés une chambre secrète avec un autel dédié au dessinateur belge.  (A l'insu sans aucun doute de Spielberg, qui dit avoir découvert l'existence de Tintin après la sortie du premier Indy). En dehors des similitudes évidentes entre les deux personnages, la plus troublante reste la manière dont laquelle Lucas semble ainsi approcher son oeuvre-clé, la saga Star Wars, sur un modèle équivalent à Hergé - Tintin : remises à jour et modernisation constante des oeuvres (il existe plusieurs versions de quasiment chaque album de Tintin), effacement des éditions antérieures, etc.

 

 

Interview Julien Carbon et Laurent Courtiaud

East meet West

Deux Français expatriés à Hong Kong, qui ont réalisé leur rêve d'adolescents : écrire pour les plus grands metteurs en scène du cinéma asiatique, de Johnny To à Tsui Hark, en passant par Wong Kar-Waï. Etape suivante et logique : passer à la mise en scène. Le résultat : Les Nuits Rouges du Bourreau de Jade. Une vraie aventure, qu'ils racontent en détail pour HDvision.

Hdvision : Il s’est passé plusieurs années entre Black Mask 2  de Tsui Hark, le dernier film dont vous avez signé le scénario en 2002, et Les Nuits Rouges du bourreau de jade, votre première réalisation. Qu’avez-vous fait pendant ce temps ?

Laurent Courtiaud : C'est une bonne question... euh, qu'est-ce qu'on a fait ?

Julien Carbon : Hong Kong a été frappé de plein fouet par l’épidémie de SRAS en 2003. Le pays tournait au ralenti, alors nous sommes rentrés en France, où l'on a travaillé sur plusieurs développements de films qui n'ont pas abouti.

Laurent Courtiaud : Il y avait notamment une adaptation de Tristan et Iseult dans la Chine médiévale, Onimusha, que devait réaliser Christophe Gans... On a aussi été consultants pour Ubisoft sur Red Steel, le premier jeu de baston développé pour la Wii qui se passe au Japon. Ensuite, on a monté un projet qui devait être notre premier film en tant que réalisateurs, Trois jours ailleurs, dans lequel devaient jouer Romain Duris et Marina Foïs.

Julien Carbon : Tous ces projets français ont beaucoup traîné.

Laurent Courtiaud : Trois jours ailleurs ne s’est pas fait, effectivement, parce que le producteur français n’arrivait pas à trouver d’interlocuteur de confiance à Hong Kong. C’est l’une des raisons majeures qui nous a poussé à créer notre propre société de production, Red East Pictures. Notre premier projet sous la bannière Red East a été Les Nuits Rouges.

Hdvision : Il n'y avait donc au départ aucune actrice française prévue dans le film ?

Julien Carbon : Non. A l’origine, Les Nuits Rouges a été pensé comme un galop d’essai pour notre compagnie, un film 100% hongkongais, écrit pour Carrie Ng avec un casting entièrement local. Puis la société française The French Connection a proposé de nous co-produire. Il nous a donc fallu entrer dans le système français, en écrivant la moitié des dialogues en français et en choisissant un casting mixte. Cette proposition est arrivée assez tôt, quand on commençait à travailler sur l’histoire. Cela a été une véritable opportunité pour nous, puisqu'on avait du coup la garantie d'une distribution dans l’Hexagone, là où le budget réduit du film nous exposait à des difficultés pour le sortir à Hong Kong même.

HDvision : Cela fait plus d’une dizaine d’années que Carrie Ng n’a pas tourné pour le cinéma. Comment l’avez-vous convaincue de revenir au grand écran ?

Julien Carbon : C’est une amie de Kit Wong, notre associée à Red East Pictures. On est évidemment fans d’elle depuis toujours et on avait envie de travailler ensemble depuis un moment. Le projet a été taillé sur mesure pour elle.

Laurent Courtiaud : Ces dernières années Carrie a fait surtout de la télé en Chine et ce qu’on lui proposait là-bas ne l’intéressait plus. Elle savait, nous connaissant, qu’on avait avant tout le désir de la sublimer, de lui offrir à nouveau un de ces rôles de femmes fatales qui ont fait son succès. Cela n’a pas été très difficile de la convaincre.

HDvision : Etait-ce un défi de faire un film où le méchant, en l’occurrence la méchante, est l’héroïne, en cette période très politiquement correcte ?

Julien Carbon : On ne s'est pas posé la question. Il a toujours été question que le personnage joué par Carrie soit le personnage principal du film. C’est une actrice qui a longtemps représenté l’image d’une femme très sexy, ouvertement sensuelle, ce qui est rare dans les films de Hong Kong où les personnages féminins sont plus réservés. Son rôle dans Les Nuits Rouges est dans la lignée de celui qu’elle a interprété dans Naked Killer… C'est une tueuse, mais qu'on admire, une anti-héroïne en quelque sorte.

HDvision : Dans Les Nuits Rouges on boit et on fume, beaucoup…

Laurent Courtiaud : C’est l'avantage de la liberté acquise lorsqu’on est dans ce type d'économie de budget. Si le film avait été une grosse production, c’est certain que des contraintes se seraient posées. On s’est d’ailleurs fait la réflexion, d’une façon un peu ironique, que si Les Nuits Rouges a la chance de ne pas disparaître complètement dans l’histoire du cinéma, peut-être que dans une quinzaine d’années, les gens le trouveront affreux et abject non pas parce qu’on y torture et qu’on y tue, mais parce qu’on y fume des cigarettes en buvant des cocktails ! (rires).

HDvision : Le film flirte ouvertement avec la thématique SM, le fétichisme, l’érotisme. Le tout cependant enrobé d'une certaine élégance...

Laurent Courtiaud : On n'avait pas l'intention de tourner un film très violent et très gore. Il n’était pas question de tomber dans le Catégorie III. On tenait à ce que cela soit assez chargé sexuellement sans qu’il y ait par exemple de scène de sexe. D’où l’utilisation de toute l’imagerie fétichiste et des accessoires SM : on est dans la métaphore ou dans l’accessoire. Il y a des pénétrations multiples dans le film mais ce ne sont jamais des pénétrations d’organes sexuels.

Julien Carbon : On voulait que le film soit assez extrême, mais sans jamais tomber dans la vulgarité, que ces scènes soient très belles visuellement, très graphiques. Comme la silhouette de Carrie ou celle de Frédérique Bel. Ces femmes mystérieuses en manteau ou en trench, c’est un pur fantasme de cinéma.

HDvision : Esthétiquement, Les Nuits Rouges est presque un film des années 80, bien que les technologies d'aujourd'hui (téléphones portables, etc.) soient utilisées dedans. Il semble même hors du temps, loin en tout cas du cinéma digital actuel en vogue à Hong Kong...

Julien Carbon : Vu notre budget, il nous fallait faire des choix artistiques assez affirmés. C'est pourquoi cette direction s'est naturellement imposée.

Laurent Courtiaud : Le style s'est développé avec ces parti-pris : mettre l’argent sur des plans plus léchés quitte à bouger un peu moins, mais avoir une belle direction artistique, une belle photo pour pouvoir jouer un petit peu avec notre fétichisme de cinéphiles, d’érotomanes et d’alcooliques (rires).

HDvision : C'est amusant, quand on sait que le cinéma de Hong Kong s'est très largement inspiré du cinéma français dans les années 80, (John Woo dans The Killer, qui citait ouvertement Le Samouraï) , de vous retrouver ainsi, des années après, au même carrefour d'influences.

Laurent Courtiaud : C'est vrai, John Woo s'amusait vraiment avec ses références. Naturellement, de par nos origines, notre situation actuelle - cela fait plus de 15 ans que nous vivons à Hong Kong - et par la nature même du projet, nous nous sommes amusés de la même manière, en faisant par exemple porter le trench-coat du « Samouraï » de Melville à Frédérique Bel.

HDvision : Vous avez utilisé la caméra RED. Le film a donc été tourné en HD, pourtant, ce n'est visible à aucun moment à l'image.

Laurent Courtiaud : La RED est très intéressante mais comme toute caméra HD elle a ses limites.

Julien Carbon : On a pu les cerner très tôt avec notre chef-opérateur, Man-Ching Ng (Internal Affairs II et III, NDLR). Donc il y a eu très peu de problèmes durant le tournage. Si on avait tourné caméra à l’épaule dans la rue cela aurait été impossible. Pour des plans plus statiques, composés, cette caméra est par contre parfaite. On a choisi d’utiliser l’outil qui était le plus approprié au style de filmage que l’on voulait.

HDvision : L'économie de moyens dicte le style, elle dicte aussi le contenu du film. Est-ce qu’il y a des choses que vous avez mis de côté à cause de ces contraintes ?

Julien Carbon : On aurait aimé inclure plus de scènes d’extérieur, mais on savait qu’on était pris par le temps. On avait heureusement une équipe très expérimentée à la série B qui sait très bien travailler dans les limites du budget.

HDvision : Des projets ?

Laurent Courtiaud : Notre second film, Trois jours ailleurs, celui qui devait être à l'origine le premier ! Nous devrions le tourner cette année à Hong Kong avec Eric Cantona, Alice Taglioni et Isaac de Bankolé.

Propos recueillis par David Fakrikian et STL

Les Nuits Rouges du Bourreau de Jade, actuellement dans les salles.

 

Les Nuits Rouges du Bourreau de Jade

Le Rouge et le Noir

C’est LE film surprise du printemps 2011. Un OVNI cinématographique, mélange improbable de giallo italien, polar français, film pop érotique japonais et thriller hong-kongais. Critique, et interview dans quelques heures des deux réalisateurs de ces Nuit Rouges stupéfiantes, dans les salles le 27 avril 2011.

Un virus analogique dans un monde digital. C'est l'effet produit par la vision des Nuits Rouges du bourreau de jade, premier film de Julien Carbon et Laurent Courtiaud, une co-production franco-hongkongaise dans laquelle se télescope un casting international (pour la France, Frédérique Bel et Carole Brana, pour Hong-Kong, Carrie Ng, Jack Kao et Stephen Wong), et le mélange de genres (thriller, giallo, film pop érotique). L'histoire ? Une intrigue à la fois simple et faussement alambiquée, tournant autour d'un élixir antique permettant de connaître l'extase ultime juste avant la mort, que plusieurs factions tentent de s'approprier. Un simple prétexte pour les auteurs réalisateurs, afin de dresser le portrait d'une anti-héroïne sadique (Carrie Ng), imprésario de jour, assassin de nuit, qui emporte progressivement l'adhésion du spectateur grâce à une série de scènes d'anthologie (le torture-cocktail, pour n'en citer qu'une), toutes plus folles les unes que les autres. A l'heure où le cinéma français de genre s'enlise, plombé par des tentatives indignes des pires téléfilms, Les Nuits Rouges font l'effet d'une bouffée de fraîcheur : entre le film d'exploitation et l'Art et Essai, cadré et photographié avec goût et élégance, Les Nuits Rouges invoquent une large partie de la cinéphilie nerd et geek classique des années 60, 70 et 80, et la fascination du sang et de la nuit, pour les remettre au goût du jour. Comme avec l'art du cocktail, les ingrédients sont connus, certes. Mais agités dans le blender des deux Français expatriés à Hong Kong, le résultat est unique. Loin d'un hommage nostalgique à un cinéma oublié, Les Nuits Rouges réussit même à retrouver l'art du cinéma tout court, comme dans cette scène surprenante et inventive, instantanément anthologique, où Catherine (Frédérique Bel), parvient à retrouver la femme assassin Carrie (Carrie Ng), qu'elle n'a jamais vu auparavant, en reconnaissant ses escarpins. Politiquement totalement incorrect (les personnages boivent, fument et tuent sans aucune morale), Les Nuits Rouges est un pur OVNI cinématographique, que des défauts mineurs (particulièrement quelques problèmes de rythme) ne parviennent pas à entacher, tant le budget, ridicule, est transcendé par la beauté des décors et de la mise en scène. A consommer, absolument sans modération.

David Fakrikian

Actuellement dans les salles.

Avatar : Entretien avec James Cameron 2 Le fond et la forme

Suite de notre entretien avec James Cameron. Après nous avoir parlé relief et cinéma virtuel, le cinéaste évoque ici des problématiques de mise en scène générées par ses nouvelles méthodes de filmage, mais aussi de la morale qui sous-tend Avatar.

 

Jusqu'à quel point le cinéma virtuel a-t-il changé votre façon de filmer ?
Bien entendu, c'est une façon totalement géniale de travailler pour un réalisateur : tout est plus précis, vous pouvez tout peaufiner avec un luxe inouï. Après, je ne pense pas que mon style a changé grâce au cinéma virtuel, du moins j'espère que ce n'est pas de façon sensible. Le défi pour moi sur Avatar, c'était de parvenir à maintenir la cohérence de mon style, que je filme l'action en live ou que je travaille sur un plateau virtuel. C'est pour cette raison que j'ai choisi d'être mon propre opérateur sur toutes les scènes tournées en live, qu'il s'agisse de prises de vues à l'épaule, de grue avec une tête radiocommandée ou de Dolly. J'avais juste besoin d'un steadycamer, parce que le Steadycam exige un savoir-faire très particulier que je ne possède pas. Et bien entendu, en cinéma virtuel, je continuais à être le seul opérateur du film. De cette façon, j'ai tenté de conserver la même approche, la même esthétique et la même dynamique, en passant d'un médium à un autre. 
 
Comment êtes-vous parvenu à cadrer votre film pour qu'il soit à la fois projeté en Imax et en format large panoramique ? Ça devait vous rendre totalement schizophrénique, non ?
Vous venez de soulever un problème vraiment intéressant. En fait, nous commencions par composer les plans en CinémaScope, pour un ratio de 2.35 donc. Mais dès cette étape nous conservions un espace supplémentaire en haut et en bas du cadre. Tant et si bien qu'ultérieurement, nous pouvions recadrer le film au format Imax, donc en ratio 1.43, sans rien perdre des informations qui étaient déjà présentes en CinémaScope et en gardant le point de focalisation des spectateurs sensiblement au même endroit. Tout ce qui changeait, c'était la sensation d'immersion, mais du point de vue de la composition des images, les intentions restaient les mêmes sur les deux versions. Ainsi, je n'avais que très peu de travail de recadrage à faire en passant d'une version à une autre. Ceci étant dit, quand on parle de projection relief, je préfère qu'une image soit plus haute que le cadre cinéma classique : j'ai la sensation qu'une image haute diffusée en relief donne le sentiment que l'on vous a plongé dans le monde projeté, notamment parce que la notion de cadre disparaît. J'ai été surpris quand je me suis découvert cette préférence, parce que depuis toujours, j'ai aimé le format large du CinémaScope. Mais en relief, avec une image plus haute comme celle du format Imax, vous avez vraiment une sensation de profondeur, voire de vertige. Et c'était très important pourAvatar, notamment pour les scènes de vol.
 
Mais alors pourquoi avoir opté pour le 2.35 pour les projections dans les salles de cinéma non équipées en Imax ? Pourquoi ne pas avoir choisi un format plus carré, comme un 1.85 par exemple ?
Pour une seule raison : parce que dans la plupart des salles, si vous voulez que votre film occupe toute la superficie de l'écran, il faut projeter du 2.35. Et je pense qu'afin que l'immersion soit efficace, nous nous devions d'avoir le plus grand écran possible dans chaque salle. Dans le cas contraire, je pense en effet que j'aurais choisi le 1.85.

 

 
Au final, quelle est la meilleure manière de voir Avatar ?
Le film a la même durée dans tous les formats, car la durée maximale que puisse supporter un projecteur Imax étant de 2h40, je ne voulais pas léser les spectateurs de ce format-là en leur proposant un montage plus court que celui projeté en CinemaScope dans les salles normales. Et je voulais d'autant moins les léser que j'estime que, pour profiter au maximum du spectacle et pour avoir réellement l'impression d'être dans le film, la projection en Imax 3D est la meilleure solution. Le but d'un film comme Avatarest de faire rentrer le spectateur dans une nouvelle dimension, dans un nouveau genre de cinéma basé essentiellement sur la technologie 3D et sur la taille de l'écran, mais il faut faire ça en douceur et nous ne pouvions proposer le film uniquement en Imax 3D.
 
Attention : la question et la réponse suivantes contiennent des révélations sur l'intrigue du film.
 
La morale d'Avatar est d'une noirceur étonnante : il n'y a définitivement plus aucun espoir pour la race humaine...
La question que doit soulever cette fin est la suivante : « Vivons-nous sur un monde mourant ? Le vaisseau spatial Terre court-il à sa perte ? » Je le crois, du moins si nous n'évoluons pas très rapidement. La surpopulation continue de croître, la consommation des énergies fossiles ne cesse d'augmenter, l'industrialisation de nos civilisations emploie de plus en plus d'énergie. Et puis, nous abusons de l'environnement naturel : nous pêchons largement trop dans les océans, la biodiversité va de mal en pis... On va passer un sale moment dans les vingt, trente prochaines années. Tout le monde, ou presque, a conscience de ces faits, et pourtant personne ne veut se confronter à cette atroce réalité et admettre la vérité suivante : notre façon de vivre ne peut plus durer. Il faut prendre ce problème à bras-le-corps dès maintenant parce que notre destin, en tant que race, sera de nous confronter à cette problématique d'une façon ou d'une autre. Et plus nous serons passifs quand cette confrontation surviendra, pire ce sera. Or, je pense qu'un grand film populaire contemporain, surtout s'il est aussi destiné aux enfants, doit permettre de passer un très agréable moment certes, mais tout en conduisant les spectateurs à réfléchir à ce genre de problème.
 
Comment expliquez-vous que la quasi-totalité de vos films développent des histoires sur la peur de la technologie alors que vous êtes un réalisateur complètement féru de technologie ?
(Rires) Je crois que c'est là tout le dilemme de la civilisation humaine : nous sommes fascinés par elle mais, en même temps, elle contient en elle de nombreux problèmes qui peuvent représenter des dangers pour notre espèce, comme la puissance nucléaire, les armes bactériologiques ou tout simplement les dommages écologiques qui pourraient entraîner l'anéantissement de notre planète. Nous avons donc une relation conflictuelle avec la technologie : nous l'aimons mais nous avons également besoin de la craindre et de la contrôler. Du coup, c'est vrai que mes films ont tendance à refléter cet état d'esprit de mes contemporains. Même Titanic, tout film d'époque qu'il était, parlait de cela. Vous savez, je ne suis pas un techno-geek : j'ai conscience du fait que nous devons être vertueux dans notre manière de gérer notre civilisation, car nous sommes la seule espèce technologique à la surface de cette planète.
 
En tout cas, cette morale est l'un des aspects d'Avatar qui m'a beaucoup rappelé Princesse Mononoké...
Ah, je plaide coupable : quand Neytiri chevauche le Thenatar, c'est un décalque du plan de San chevauchant son loup. Donc oui, bien entendu, Princesse Mononoké était très présent en moi quand j'écrivais le film. Et j'assume totalement cette influence et cette référence, car j'estime qu'il est légitime de rendre hommage à une œuvre qui vous a marqué, un peu comme Quentin Tarantino qui pousse cependant cet exercice dans ses derniers retranchements. Mais personnellement, j'espère que cette influence est revendiquée, tout en restant discrète et parfaitement intégrée au reste du film.

 

 
Malgré le succès historique de Titanic, est-ce que ce fut difficile de convaincre la Fox d'investir dans un projet aussi ambitieux et aussi singulier qu'Avatar ?
Absolument. Je pense que c'était difficile de convaincre n'importe quel gros studio hollywoodien de financer un tel film à cause de la note d'intention dont nous venons de parler et à cause du défi technique. Nous les avons convaincus en tournant un test qui devait leur montrer à quoi ressemblerait le film. Nous avons tourné cinq minutes de film en performance capture et, sur ces cinq minutes, nous avons finalisé quarante secondes d'images chargées de présenter l'aspect final du film. Lorsqu'ils ont vu le test en 3D, ils ont compris ce que nous voulions faire et ils ont donné le feu vert. Je crois qu'Avatarreprésente le dernier cri en matière de nouvelles images. Et dans ce cas précis, il est certain qu'une histoire classique, dans laquelle le spectateur peut retrouver ses marques, fonctionne un peu comme une porte d'entrée, un moyen d'accueillir les gens dans ce nouvel univers qu'est le cinéma proposé parAvatar. Mais la démarche n'est pas consciente : vous savez, j'ai toujours raconté des histoires classiques.
 
Comment voyez-vous le cinéma de demain ?
Si je devais résumer le cinéma de demain en une réponse rapide, je dirais : ce sera exactement la même chose qu'aujourd'hui et qu'hier. Certes, la technologie évoluera, le contexte se modifiera mais tout cela ne changera jamais le fait que, pour faire un bon film, il faudra toujours une bonne histoire et de beaux personnages. C'est pour ça que les gens auront envie de sortir de chez eux, de venir s'asseoir dans une salle de cinéma et de partager une expérience de groupe. Je crois que cela ne s'arrêtera jamais.
 
Propos recueillis par Arnaud Bordas et Julien Dupuy

Article originellement publié sur le site Excessif.

 

Avatar : Entretien avec James Cameron 1 Relief et cinéma virtuel

De la promotion de son film à son réaménagement du cinéma virtuel, en passant par la gestion du relief, James Cameron lève le voile sur les coulisses de son film évènement.

À quelques jours à peine de la fin de la postproduction, un article du Wall Street Journal a prétendu qu'Avatar était très loin d'être terminé...
Cet article sous-entendait effectivement qu'il nous restait trente minutes à fabriquer entièrement à quelques semaines de la sortie, mais c'était évidemment faux. Ces rumeurs tiennent à ma réputation, vous savez (rires). Croyez-moi, l'agenda a été respecté et j'ai connu des situations beaucoup plus stressantes : par exemple, lorsque j'ai fait Terminator 2 : le jugement dernier, nous avons rendu les toutes dernières bobines à sept jours de la sortie du film !
 
En tout cas, dès sa promotion, Avatar a suscité la polémique, notamment avec l'« Avatar Day »...
Je considère que l'« Avatar Day » a été un vrai succès : 100 000 personnes qui se déplacent pour venir voir quinze minutes d'un film dont elles ne savent pratiquement rien et qui sortira plusieurs mois plus tard, ce n'est pas rien. Pour moi, l'« Avatar Day » a eu beaucoup plus d'impact qu'une simple bande-annonce sur Internet.

 

 
Et puis cet événement a montré au public qu'Avatar allait être davantage une expérience inédite qu'un simple film...
Exactement, c'était le but. Avatar est certes un film, mais c'est plus que cela : c'est une expérience à part, à cause de la 3D principalement. Il y a une histoire, des personnages, de l'action, des sentiments, mais il y a également une proposition d'immersion totale. J'ai conçu ce projet pour emmener les gens sur une autre planète. Lorsque j'ai monté le film en 2D, j'ai vu que l'histoire fonctionnait tout aussi bien, mais je me suis aussi rendu compte que l'impact visuel n'était pas aussi puissant. C'est un peu comme lorsque vous regardez un film en DVD : c'est prenant, vous avez la qualité narrative du film mais ce n'est pas aussi puissant qu'au cinéma. Et en cela, l'« Avatar Day » a été un bon moyen de faire prendre conscience aux différents acteurs de l'industrie, et notamment aux exploitants, que la révolution 3D était en marche et qu'elle allait changer la façon de voir un film en salles.
 
Et la 3D va également bientôt arriver dans les salons des particuliers...
Tout à fait, nous avons d'ailleurs encouragé ce changement important en en faisant la promotion via le futur Blu-Ray d'Avatar, montrant ainsi que la vidéo haute-définition couplée à la 3D représente l'avenir proche du home cinema. Personnellement, j'ai tendance à penser qu'outre le cinéma, les jeux vidéo et les retransmissions télévisées d'événements sportifs vont être pour beaucoup dans le fait d'aider les foyers à franchir le pas et à s'équiper de téléviseurs 3D.
 
Parlez-nous de la caméra Fusion que vous avez créée pour tourner les scènes live d'Avatar...
C'est une caméra qui permet de restituer l'effet de relief tel que le perçoit l'œil humain lorsqu'il observe son environnement. Nous l'avons créée avec mon associé Vince Pace pour mes documentaires sous-marins et depuis, non seulement nous n'avons jamais cessé de la perfectionner mais en plus, d'autres films ont pu l'utiliser. Ça n'a plus rien à voir avec le bon vieux relief d'antan, qui collait des migraines au spectateur. Je ne veux pas rentrer dans des détails trop techniques mais en gros, notre caméra à deux objectifs reproduit très fidèlement les diverses fonctions d'un œil humain. Le résultat est réellement bluffant et procure un confort de visionnage qui était indispensable sur un film aussi long.

 

 
Pouvez-vous développer les changements que vous avez apportés au cinéma virtuel employé par Zemeckis depuis Le Pôle Express ?
La capture des mouvements du corps est à peu près similaire, mais nous avons développé une nouvelle méthode de capture des visages, pour obtenir un résultat qui, je l'espère, fera la différence. Le visage des acteurs n'est plus constellé de capteurs chargés d'enregistrer de manière locale les mouvements faciaux, comme c'était le cas pour les trois films de Robert Zemeckis. Les comédiens d'Avatarportaient à la place une petite caméra fixée à leur tête et qui enregistrait la globalité des mouvements du visage. La finesse de la captation est ainsi nettement accrue. C'est là que la performance capture s'avère passionnante : en tant que réalisateur, ce qui m'intéresse, ce n'est pas l'animation mais la direction d'acteurs. Et c'était formidable de me retrouver tous les jours avec mes acteurs, de les faire répéter puis d'enregistrer leur performance en continu. C'est cette technologie qui va permettre de libérer le spectateur de la gêne qu'il avait jusqu'ici avec les personnages en images de synthèse, et notamment avec leur regard. Avec Avatar, nous avons clairement franchi une frontière. La seconde grande innovation d'Avatar, c'est que le studio où nous effectuions les séances de performance capture avec les comédiens était six fois plus grand que celui utilisé par Zemeckis sur La Légende de Beowulf, qui était assez contraignant en termes d'espace. Cela nous permettait d'y faire cohabiter un certain nombre de personnes, et même d'animaux tels que des chevaux, pour filmer des scènes à l'échelle d'un champ de bataille. Car sur Avatar, il ne s'agissait plus de représenter un seul personnage à l'écran, comme Gollum ou le monstrueux pirate Davy Jones des Pirates des Caraïbes, il nous fallait carrément des centaines de personnages digitaux photo-réalistes. 
 
Des centaines de personnages en performance capture ?!
Absolument. Grâce au logiciel Massive, on savait déjà représenter des armées de milliers de combattants autonomes, mais cela restait de l'ordre de l'animation et cantonnait leur représentation visuelle à des plans larges. Là, nous verrons des centaines de combattants digitaux à l'écran mais tous interprétés par de vrais acteurs, dont nous avons capturé la performance avant de la transplanter sur nos extraterrestres en images de synthèse. Mais comme on ne peut enregistrer en même temps que 16 ou 17 personnes, il a fallu créer de multiples cessions pour les différents groupes. C'était vraiment très difficile, cette étape du tournage a été l'un des plus gros défis du projet. Enfin, la dernière innovation apportée par Avatar au cinéma virtuel, c'est la Simulcam, une caméra virtuelle que je manipulais pendant les cessions de performance capture et qui nous permettait de visualiser sur moniteur un premier rendu des plans finaux, avec les avatars en mouvement implantés dans le décor en images de synthèse. Cela permettait d'avoir un aperçu en direct de ce à quoi allait ressembler notre film à l'arrivée.
 
Dans la seconde partie de notre entretien : James Cameron nous parle de choix cornéliens concernant la mise en scène d'Avatar, de la morale de son film, de son rapport à la technologie, du cinéma du futur et... d'Hayao Miyazaki !
 
Propos recueillis par Arnaud Bordas et Julien Dupuy

 

Article originellement publié sur le site Excessif.